La aparición de la película El planeta de los simios (Planet of Apes, Franklin J. Schaffner) en 1968 supuso un impacto general en la recepción y daba un paso significativo en el género de la ciencia ficción en cine. Esta obra, presentada como una gran producción de Hollywood, no hacía gala de grandes decorados, sino de un cuidado guión con un giro sorprendente en la trama final, acompañado de un maquillaje especialmente llamativo y efectista para la época.
La historia era difícil de trasladar al cine. Probablemente muchos ya la conozcáis, y no quiero desvelársela a todos aquellos aquellos que aún no la hayáis visto. bEl caso es que para empezar la historia nos remite al mundo de la astro-navegación. Mientraslos EEUU y la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas competían por demostrar al mundo qué potencia tenía la supremacía tecnológica sobre la otra, esta película comienza con un viaje al espacio en el que los astronautas norteamericanos viajan al futuro sufriendo las leyes de la relatividad en el espacio tiempo. De manera que el tiempo discurre mucho más lento dentro de la nave cuando ésta viaja a cierta velocidad, y se produce una descompensación con los parámetros y temporales externos. Apreciamos también en la película un interés especial no sólo por la angustia existencial del hombre ante el futuro, sino por las tendencias de la moda y decoración futurista de la época. De este modo los decorados recurren a motivos egipcios minimalistas, túnicas, brillos, colores, una tendencia a la psicodelia, y una controlada mezcla de líneas rectas con sencillas curvas. Finalmente, el final creó una imagen que se convirtió en un icono de la cultura pop, y un tremendo icono del pensamiento apocalíptico nacido de la reflexión del ser humano sobre las consecuencias del llamado “progreso” en nosotros mismos, en un mundo capitalista dominado por la individualidad y la ley del más fuerte. Me refiero, por supuesto, a la silueta de la estatua de la libertad semienterrada en una playa.
La segunda mitad de los años 60 fue un momento para la incorporación de nuevas técnicas y experimentación con músicas para cine. Fue el tiempo en el que definitivamente la música de Jazz encontró cabida en las producciones orquestales, y los experimentos resultaban novedosos y frescos. Sin embargo, aunque esta producción podría haberse decantado por ese camino de futuro compositivo, Jerry Goldsmith apostó primero por la experimentación vanguardista, con temas muy cercanos a la atonalidad, instrumentación exótica basada en la percusión étnica integrada en conjuntos instrumentales de cámara clásica, y una alternancia de ritmos diversos y libres, junto a un alto sentido estético ligado al expresionismo abstracto pictórico. Esta producción musical, que podría haber sido difícil de escuchar en un auditorio hace, por el contrario, un recorrido por los estados anímicos de los personajes y una descripción de situaciones y ambientes primitivos.
The forbidden zone – Jerry Goldsmith
La propuesta es arriesgada, ya que nos lleva a un ambiente ancestral situado en el futuro, como sucede con la propia historia. La propia música además cuenta con motivos reconocibles de situaciones, y crea unos ambientes de incertidumbre y misterio apropiados para el relato. La música de la caza del comienzo es trepidante, y no hay duda de que se ha inspirado el remake del año 2001 de Tim Burton, con música de Danny Elfman, y la misteriosa música del cauteloso y cansado caminar por la tierra prohibida hacia un lugar indeterminado es una obra de arte del ostinato y el silencio.
En definitiva, Jerry Goldsmith recrea en música un mundo de futuro con una música vanguardista con técnicas de composición avanzadas, y una vuelta al pasado ancestral del hombre, más atrás de su origen como su único futuro y solución a sus problemas, empleando los hasta el momento exóticos y poco habituales instrumentos étnicos de percusión, junto a instrumentos tradicionales en formaciones de pocos instrumentistas.
